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Ya se puede ver en Filmin uno de los documentales más esperados del año, ‘Jane por Charlotte’. Se trata del debut como directora de Charlotte Gainsbourg, actriz y cantante, que filma a su madre, Jane Birkin, abriendo una ventana a su relación, sus viajes y sus quehaceres. Con motivo del film, se tocan temas y conversaciones sobre Serge Gainsbourg, pánico escénico, adicciones, relaciones humanas y la vejez para un icono de belleza.
A través de la cámara, se exponen mutuamente en un diálogo inédito, íntimo y universal, dejando paso a una relación maternofilial que ahora empieza a alzar el vuelo. Después de un largo tiempo y el paso de los años, Charlotte Gainsbourg ha comenzado a ver por primera vez en su vida a su madre Jane Birkin con otros ojos. Desde hace años venían arrastrando un conflicto común que no las había permitido desarrollar una relación sana entre madre e hija, y que ambas abordan en ‘Jane por Charlotte’
Charlotte Gainsbourg observa a su madre, Jane Birkin, como nunca lo ha hecho, sin reservas. Usando una cámara, se exponen mutuamente y dan pasos en falso, dejando espacio para que se desarrolle una relación maternofilial.
Charlotte ha explicado, en distintas presentaciones del documental, que el hecho de haber vivido todos estos años en Nueva York, y la consecuente distancia física con su madre, fue el motivo que le llevo a acercarse a ella, a través de la cámara de una forma en la que no lo había hecho antes. “Decidimos empezar en Nueva York, donde compartimos una canción en el escenario. Todo eso era un terreno desconocido para nosotras. Después la película tomó cuerpo en Bretaña y París, y con todo lo relacionado con la casa de mi padre. Fue ahí precisamente cuando entendí la película que estaba haciendo. Creo que llegué a ese punto muy tarde”, explica la actriz, y directora de ‘Jane por Charlotte’.
En el documental también tienen presencia otras figuras femeninas de esta familia de estrellas de francesas, la hija de Charlotte, Alice, y, según confiesa la actriz, con mucha dificultad, la de su hermana Kate Berry, fotógrafa, que falleció en 2013. El film formó parte del Festival de Cannes en 2021, en la sección Perlak del Festival de San Sebastián. El título del documental, que dura 88 minutos, es un homenaje a Agnes Varda y a su película «Jane B. por Agnes V.», de 1988.
Jane Birkin
Jane Birkin nació en Londres el 14 de diciembre de 1946. Comenzó su carrera de interpretación a los 17 años y pronto conoció a John Barry, quien le dio su primer papel en el musical Passion Flower Hotel, en 1965. Se casaron poco después y Jane tuvo a su primer hija, Kate, en 1967. Cuando tenía 20 años, emergió en plena escena del SwinginG London gracias a una breve aparición en la película Blow Up, de Antonioni, que fue galardonada en el Festival de Cine de Cannes. Más tarde hizo otra prueba en Francia, para la película Slogan del director Pierre Grimblat. Allí se encontraba el actor francés –y enfant terrible- Serge Gainsbourg quien hizo llorar a Jane en la prueba ante la cámara. Ella consiguió el papel, y de paso comenzó una apasionada historia de amor con el francés.
Je t’aime… moi non plus
Una de sus primeras colaboraciones fue la canción Je t’aime… moi non plus, que se convirtió en un éxito a nivel internacional. En la década de 1970 intervino con notable éxito en comedias de Claude Zidi y Michel Audiard. Tras aparecer en diversos anuncios publicitarios, a finales de la década de 1980 actuó en una serie de conciertos en París interpretando el repertorio que Gainsbourg había escrito para ella. En 2016 protagonizó La femme et le TGV, candidata al Óscar al mejor cortometraje de ese año.
Charlotte Gainsbourg
(Londres, 1971) ha desarrollado una prolífica carrera como actriz a lo largo de más de cuatro décadas. Ha trabajado a las órdenes de directores como Claude Miller, en La petite voleuse (La pequeña ladrona, 1988); Franco Zefirelli, en Jane Eyre (1996), Alejandro González Iñarritu, en 21 grams (21 gramos, 2003); Michel Gondry, en La science des rêves (La ciencia del sueño, 2006); Todd Haynes, en I’m Not There (2007); Lars von Trier, en Antichrist (Anticristo, 2009), por la que ganó el premio a la mejor actriz en Cannes, Melancholia (Melancolía, 2011) y las dos entregas de Nymphomaniac (2013), o Gaspar Noé en Lux Aeterna (2019). Jane par Charlotte, su debut como directora, se presentó en Cannes Premières.
Charlotte, de estrella del cine independiente a rockstar
La actriz traslada a su música la valentía artística y la apertura emocional de sus papeles cinematográficos. Grabado con su padre, Serge, cuando aún era una adolescente, Charlotte for Ever, de 1986, dejaba entrever la combinación de voces delicadas y la voluntad de desafiar las normas que exploró en sus álbumes posteriores. En 5:55, de 2006, su elegante fusión de música electrónica, orquestal y rock con letras dramáticas rindió homenaje a su herencia musical y la definió como artista e intérprete por derecho propio, mientras que IRM, de 2009, amplió su abanico con el psico-rock y el dance-pop, así como con un punto de vista más personal.
Esta perspectiva confesional alcanzó su punto álgido en Rest, de 2017, donde expresaba cómo vivir con la pérdida en canciones lúgubres y alegres a partes iguales. Por el camino, Gainsbourg ha trabajado con algunos de los artistas más respetados del mundo, como los miembros de Air y Daft Punk, Beck y Paul McCartney, y su colaboración con Soundwalk Collective en el futurista y sensual Lovotic de 2022 continuó con la expresión de vanguardia en todos sus proyectos.
En la Alianza Francesa de Málaga hemos recopilado 12 recomendaciones francófonas culturales que hablan de momento contemporáneo de la francofonía en todo el mundo. Más de 300 millones de personas hablan francés a lo largo del planeta. Y hoy observamos esto en la literatura, el arte, la gastronomía o la música, entre otras manifestaciones culturales.
Cada año en marzo se celebra el mes de la Francofonía. Se trata de un evento que reúne a todos los públicos con el objetivo de dar a conocer la creación cultural y artística del mundo francófono, y promover la lengua francesa. Porque estudiar francés no es sólo aprender un idioma, sino descubrir a fondo las culturas de los diferentes países que forman el mundo francófono.
Aquí van nuestras recomendaciones:
Mous Lamrabat, o cómo reinventar la imagen de moda marroquí
Mous Lamrabat es nuestra primera recomendación francófona; un fotógrafo marroquí-belga que, tras finalizar sus estudios de diseño de interiores, se interesó por la fotografía. Un medio que le daba la satisfacción de la creatividad instantánea y los resultados inmediatos.
Autodidacta, fue capaz de reinventar la fotografía de moda, que aborda con ironía, su propia manera de denunciar la sociedad de consumo, mezclando el lujo ostentoso y la falsificación con las referencias culturales marroquíes. Sus modelos, la mayoría con el rostro y el cuerpo enmascarados, aparecen sobre fondos naturales de paisajes marroquíes. Colabora regularmente con varias revistas como Naatal, Tush Magazine y Stylist France. Estos días se dispone a inaugurar una exposición individual en Casablanca. Mous Lamrabat y su Mousganistan están preparados para sorprender a la Galería de Arte Loft de Yasmine Berrada.
Fragile, una serie de Claude Desrosiers
Esta es la historia de una amistad muy improbable y eventualmente trágica entre dos hombres muy distintos, Dominic Couture y Félix Bachand, en un pequeño pueblo de provincia. protagonizada por Pier-Luc Funk (Mattias & Maxime) y Marc-André Grondin (Crazy). Juntos desarrollarán una amistad muy singular que desencadenará en una misteriosa muerte. ¿Fue un accidente o un homicidio? Descúbrelo en Filmin, donde puedes ver la serie completa.
Piz Gloria, restaurante en los Alpes Suizos
Se trata del primer restaurante giratorio del mundo. Está situado en la cima del Schilthorn, cerca de Mürren en el Oberland bernés, en Suiza, a 2970m. El acceso a la cima solo es posible por medio de un teleférico de 7.000 metros, el más largo del mundo. Este último y el restaurante fueron construido por el arquitecto bernés Konrad Wolf, en 1969.
El revestimiento exterior del piso superior completamente vitrado, está cubierto de paneles de aluminio recubiertos de madera. El mecanismo de rotación está arreglado de tal forma que los invitados tengan una vista hacia el exterior. Un anillo de tres metros efectúa una rotación completa alrededor del eje de 12 metros cada hora, gracias a la energía solar.
Una exposición permanente, otra de nuestras recomendaciones francófonas, es la encargada de revivir y recordar los momentos en los que él restaurante acogió la grabación de James Bond ‘Al servicio secreto de su Majestad’.
Lous & the Yakuzah, una popstar de origen congoleño
Con un potente primer single Dilemme, que superó los 55 millones de streams, seguido de prestigiosas colaboraciones internacionales (Joey Bada$$, Tha Supreme & Mara Sattei, Sfera Ebbasta), la belga de origen congoleño Marie-Pierra Kakoma, conocida artísticamente como Lous And The Yakuza, lanzó su primer álbum «Gore» en 2020. El álbum había acumulado más de 130 millones de streams en todo el mundo y 40 millones de visitas en YouTube. Fue elegida en 2019 por Fayard para traducir The Hill We Climb and Other Poems de la poeta estadounidense Amanda Gorman en febrero de 2021. También se convirtió en el rostro de la casa de moda de lujo francesa Chloé durante la Semana de la Moda de París en 2020.
Ahora presenta a Kisé como «un colorido borrón de emociones que expresa el rápido aliento del amor y la impresión que deja una vez pasada la euforia». Entre el neo-soul, el funk oscuro y el flow delirante, Lous elige el lado delirante de la vida sobre la dura realidad. La cantante es una de las recomendaciones francófonas más cercanas a la Alianza Francesa de Málaga, pues fue la encargada de cerrar la 25 edición del Festival de Cine Francés de Málaga.
Héritage, la historia familiar de Miguel Bonnefoy
Con un padre chileno escritor y una madre venezolana amante de la literatura, el destino de Miguel Bonnefoy no podía ser otro. Su tercera novela titulada ‘Héritage’ cuenta la historia de una saga familiar francesa instalada en Chile que abarca desde 1873 a 1973. Sus personajes están marcados por varios acontecimientos trágicos como las dos guerras mundiales y el golpe de Estado de Pinochet. Esta es una historia en la que la fábula y lo extraordinario juegan un papel esencial en el destino de los Lonsonier.
“Quería rendir homenaje a mi padre (Michel Bonnefoy), a la historia terrible que vivió con la tortura en Villa Grimaldi durante la dictadura”, ha declarado el autor a medios parisinos, y añade que el libro también quiere rescatar del olvido a muchos chilenos de origen francés que lucharon en las guerras mundiales.
“Bruxelles, je t’aime” canta Angèle a la capital belga
La cantante belga Angèle ha lanzado a principios del año uno de los discos más alabados por la crítica musical del pop internacional. “Bruxelles je t’aime» (Bruselas, te quiero) ha sido la primera canción de este disco que la cantante presentó hace unos meses, y habla del amor Angèle por Bruselas, con un sencillo ritmo de fondo.
Aunque actualmente vive en París, la canción habla de su tristeza por no estar en Bruselas tanto como le gustaría. El vídeo musical está ambientado en un tren entre París y Bruselas. En la canción, la cantante belga se pasa al neerlandés, lo que muchos han interpretado como su intervención en un debate político en el país.
La Piscine, un museo único en Roubaix
Pocos lugares han tenido una reconversión tan espectacular como la vieja piscina de Roubaix. Construida en 1932 por el arquitecto Albert Baert, esta joya del art decó reabrió sus puertas transformándose en galería de arte en 2001, y convirtiéndose, en uno de los museos con más solera de Francia. Estamos, posiblemente, ante uno de los museos más bonitos del mundo.
Tras hacer las delicias de los habitantes de Roubaix durante años, finalmente la piscina tiene que cerrar sus puertas en 1985 por un problema de seguridad. Y es que la fragilidad de su bóveda ponía en peligro la seguridad de los bañistas.
Eso, si, se ha respetado toda la decoración interior de la piscina, de estilo neoclásico, e incluso los diferentes símbolos masónicos con los que se dice que cuenta la Piscine. No hay que olvidar que Albert Baert, su constructor, pertenecía a la Logia masónica de la ciudad de Lille. La Piscine de Roubaix acoge en su interior distintas colecciones de pinturas, esculturas, diseño, elementos téxtiles, cerámicas y dibujos, repartidos por sus diferentes alas, aunque es alrededor de la piscina, donde encontramos la mayoría de las esculturas.
Neuhaus Outlet, chocolate belga para nuestro disfrute
Es un outlet de chocolate donde puedes probar lo que quieras y comprar al por mayor si quieres Los chocolates Neuhaus existen desde 1857 y son conocidos en todo el mundo por su excelente calidad. Al Lado de la fábrica Neuhaus situada en en Sint-Pieters-Leeuw a las afueras de Bruselas, se encuentra la tienda outlet de Neuhaus, un auténtico paraíso para los amantes del chocolate, no solamente por sus competitivos precios, sino porque además puedes probar cuantos quieras antes de decidir los que quieres comprar.
En esta tienda venden bombones de todo tipo y en diversos formatos, cajas de chocolatinas, tabletas de chocolate, trufas, galletas, cremas de untar, etc… Pensamos que esta puede ser una de las recomendaciones francófonas favoritas de los lectores… ¡qué hambre!
Tartiflette, un esencial de la cocina francesa
Una tartiflette es un gratén o gratinado de patatas que, entre otros ingredientes, suele llevar panceta o bacon, cebolla e indispensable, el queso Reblochon, un queso francés que se produce en Saboya y en la Alta Saboya, que cuenta con un sello de calidad equivalente a nuestra Denominación de Origen Protegida (AOP, Appellation d’Origine Protégée), y que se elabora con leche cruda de tres razas de vaca de montaña, ABondance, Tarine y Montbéliarde.
Y es que parece ser que la tartiflette, otra de las recomendaciones francófonas favoritas del equipo, se creó en los años 1980 por el Syndicat Interprofessionnel du Reblochon con el objetivo de promover las ventas y consumo de queso Reblochon, siendo una elaboración culinaria inspirada en un plato tradicional conocido como Péla, un gratén de patatas, cebolla y queso que se preparaba en una sartén con un mango largo llamada Péla en arpitano (lengua románica también denominada franco-provenzal, usada en Francia, Italia y Suiza).
El nombre de tartiflette se inventó a principios de 1990, siendo un término que deriva de tartiflâ, nombre que recibe la patata en arpitano saboyano. Tampoco ha tardado mucho este plato moderno de la cocina francesa en extenderse por otros países, la tartiflette se ha hecho popular en muchos rincones del mundo, y es que es un plato rico y fácil de hacer.
Les cités obscures, la saga de cómic de Schuiten et Peeters
Nacida en 1982 de la colaboración de François Schuiten y Benoît Peeters, Les Cités obscures es una serie mítica de cómic contemporáneo. Publicados en francés por Casterman, y traducidos a la mayoría de las lenguas europeas, estos trece álbumes han ganado numerosos premios. Aunque están llenos de referencias a nuestro mundo, sobre todo en cuanto a la arquitectura, estos diferentes libros forman parte de un universo paralelo al nuestro, cada vez más coherente.
Ocho de estos álbumes son auténticos cómics; los demás exploran diferentes formas de narración: cuento ilustrado, diario imaginario, guía de viajes, vídeo DVD, etc. Cada libro de la serie puede leerse de forma independiente, y podríamos considerlos todos recomendaciones francófonas.
L’art de perdre, una novela de Alice Zeniter
La Argelia de la que es su familia ha sido durante mucho tiempo para Naima un telón de fondo de poco interés. Sin embargo, en una sociedad francesa atravesada por cuestiones de identidad, todo parece querer regresar a sus orígenes. Pero, ¿qué conexión podría tener con una historia familiar que nunca le contaron? Su abuelo Ali, un alpinista Kabyle, murió antes de que ella pudiera preguntarle por qué la historia lo había convertido en un «harki». Yema, su abuela, quizás podría responder, pero no en un idioma que Naima entienda. En cuanto a Hamid, su padre, que llegó a Francia en el verano de 1962 en campamentos de tránsito instalados apresuradamente, ya no habla de Argelia desde su infancia. ¿Cómo traer de vuelta un país de silencio? En un atrevido y novelista fresco, Alice Zeniter cuenta la historia del destino, entre Francia y Argelia, de generaciones sucesivas de una familia atrapada en un pasado tenaz. Pero este libro, la última de nuestras recomendaciones francófonas, es también una gran novela sobre la libertad de ser uno mismo, más allá de las herencias y los mandamientos íntimos o sociales.
Música, tecnología y underground, tres de las claves principales del éxito de una de las bandas francesas más exitosas de todos los tiempos, que este año se despidió de su público para siempre. Con motivo del 20 aniversario de uno de sus mejores discos, nos acercamos a este legendario grupo a través de algunos detalles de su trayectoria que no son tan conocidos para el gran público.
One more time: una celebración
Es precisamente en 2021, cuando se cumplen 20 años de la publicación de ‘Discovery’, el disco que marcó la carrera internacional de Daft Punk, y que con la llegada de ‘One more time’ vio como su fama se disparaba.
Aunque se encontraron con detractores del uso del autotune en la voz de Romanthony, su dominio del sampler jugaba en su favor. Y es que este tema contiene fragmentos de la canción “More Spell on You” de Eddie Johns, y se caracterizaba por la tendencia del momento; grabación de voz muy filtrada y con efectos de distorsión y sonido robótico.
Así se gestó uno de los “acordes digitales” más famosos de la historia de la música pop:
Discovery: 20 años de una revolución electrónica
Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, Daft Punk, daban comienzo al nuevo milenio con un disco irrepetible y esencial para entender cómo esta banda llevo el french touch (para referirse a la música house hecha en Francia en los años 90) hasta la Mtv. Experimentando con la escena musical undergound y fusionando el funk de los 70 con la música de baile, consiguieron llegar a las principales radios de todo el mundo.
El disco contiene los conocidos hits ‘One More Time’, ‘Digital Love’, ‘Harder, Better, Faster, Stronger’ y ‘Aerodynamic’, y fue grabado en su totalidad en casa de Bangalter en Paris, entre 1998 y 2000. Hoy, los temas de Discovery son parte imprescindible de la banda sonora pop de toda una generación. Al igual que con su disco previo, ‘Homework’, la crítica internacional considera éste uno de los discos más importantes de la primera década de 2000.
Guy, Thomas y su apariencia robótica
En su libro Daft Punk’s Discovery: The Future Unfurled, Ben Cardew se acerca al momento en el que los integrantes del famoso dúo francés se convirtieron en robots. Para explicar esta forma de mantener el anonimato, en una entrevista en un canal infantil en 2004, Daft Punk explicaron de una forma muy bucólica que se transformaron en robots en el 9 de septiembre de 1999 (9/9/99) cuando de repente, en el estudio de grabación, sintieron un flash, con luces y partículas dorada y plateadas. Cuando se dieron cuenta sus caras eran las de dos robots, y esas mismas partículas que formaban parte de sus rostros habían borrado de lleno todo el trabajo realizado para ‘Discovery’, lo que supuso que tuvieran que empezar a componer su mítico disco desde el principio.
La realidad es que fue una estrategia de renovación de la marca Daft Punk que idearon los propios integrantes junto a su agencia de publicidad, y la revista The Face, en la que mostraron por primera vez su nueva imagen en febrero de 2021, previo al lanzamiento del disco.
Fue Spike Jonze, director de cine y autor de su vídeo musical más famosos, ‘Around the World’, el que les recomendó hablar con Tony Gardner, un experto en efectos especiales que junto a ellos creó sus conocidos avatares; cascos retrofuturistas, guantes y una mochila espacial para esconder todos los cables de sus instrumentos digitales.
En el documental, Daft Punk: Behind the Helmets, Gardner, Tony explica paso a paso el proceso y evolución de los cascos y de los trajes del dueto, incluso muestra los primeros bocetos conceptuales y reveló los retos a los que se enfrentó el diseño, así hasta llegar a los más recientes en ese entonces. Réplicas de sus cascos se pueden adquirir en Etsy.
Los 90 y el underground parisino
Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem Christo se conocieron con 13 años en sus años de estudiantes de secundaria, en París. Publicaron su primer LP con 18 años, y adoptaron el nombre de Daft Punk, riéndose del apelativo que el medio inglés Melody Maker había puesto a su banda anterior, Darlin.
Inquietos, Darlin se alineaba con Bangalter en el bajo, Guy-Manuel en guitarra y otras seis cuerdas de Laurent Brancowitz, que posteriormente fundó el grupo indie Phoenix.
Gracias a la revolución electrónica que llegó a Europa a finales de los 80, muchos jóvenes comenzaban a crear su música en sus casas, de forma más asequible. Usando elementos del rock, el rap o el pop, la música electrónica vivió un boom en los 90 en Francia. Daft Punk se posiciona junto a Cassius o Air como bandas del french touch, un estilo de house fusionado y desenfadado que hacía las delicias de las radios alternativas inglesas.
Muchos años después y tras una carrera plagada de éxitos, la banda formaba parte de la gran exposición retrospectiva Électro: De Kraftwerk à Daft Punk el Museo de la Música, en París. Comisiariada por Jean-Yves Leloup, celebraba en 2019 la importancia cultural y la influencia de la música electrónica de baile como una manifestación artística. La muestra contaba con piezas de Laurent Garnier, Jean Michel Jarre, Andreas Gursky, Peter Boettcher, Kraftwerk, o J. Atkins. El dúo francés presentaba una pieza audiovisual que contenía pantallas, cascos, guitarras y todo tipo de máquinas electrónicas con una adaptación de su tema ‘Technologic’
Muchos años antes de este homenaje, Guy y Thomas iban a famosas tiendas de discos como New Rose o Danceteria, compraban la revista Les Inrockuptibles cuando aún era un fanzine y veían la Mtv, mientras pasaban las tardes con sus ordenadores y películas de Cronenberg y De Palma. La historia de este grupo es la de dos amigos que hacían música juntos, y que compartían un imaginario muy particular que les llevó a convertirse en la banda francesa de electrónica con mayor éxito mundial.
Las colaboraciones de la banda francesa
Daft Punk mantenían pocas colaboraciones más que en lo que a producción musical se refiere, y particularmente esto ocurría en sus inicios. En la última etapa de su carrera, el dúo trabajó con conocidos cantantes, raperos y productores norteamericanos en lo que acabaron convirtiéndose en algunos de sus mayores éxitos.
Es el caso de Kanye West, que recicló ‘Harder, Better, Faster, Stronger’ en ‘Stronger’ un rap cantando sobre la base de la canción original, en 2007. Posteriormente, han trabajado Pharrell Williams en ‘Lose Yourself To Dance’, Julian Casablancas en ‘Instant Crush’ (2013), ‘Starboy’ o ‘I Feel it coming’ con The Weeknd, y ‘Doin It Right’ con el grupo experimental Panda Bear.
Pero sin lugar a duda, la más conocida de toda su carrera ha sido ‘Get Lucky’, una de las canciones compuestas junto a Pharrell Williams, que encabezó el éxito de su último disco Random Acces Memory. En ella participaba como guitarrista Neil Rodgers, destacado miembro de la banda Chic.
Un grupo de carácter cinematográfico
El lanzamiento de ‘Discovery’ estuvo acompañado de una película de animación japonesa que se realizó para contar con imágenes el disco. Intersella 5555 (The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem), una película que no contiene diálogos, y que estuvo dirigido por uno de los ídolos de la infancia de Guy y Thomas, Leji Matsumoto, y que narra la historia de una banda espacial secuestrada.
Sus vídeos musicales nunca escatimaban en colaboraciones con renombrados directores de cine como Spike Jonze o Michel Gondry. Junto a este último, realizaron el vídeo para su éxito de 1997 ‘Around the world’.
Sobre este trabajo en conjunto, y como repaso a su carrera, el dúo se pusó en manos del director Hervé Martin Delpierre para la creación del documental Daft Punk: Unchained, que repasa la carrera del grupo a través de imágenes de archivo y entrevistas exclusivas con sus más cercanos colaboradores.
Además, la banda estrenó Daft Punk’s Electroma en el Festival de Cannes en 2016. Se trata de una película de ciencia ficción dónde los robots que protagonizan la historia buscan transformarse en humanos. Ninguno de los dos aparecía en la cinta, de la que si fueron directores y que contaba con música original de Brian Eno.
Finalmente, otro de los grandes acontecimientos en su carrera fue la participación de la película Tron: Legacy, esta vez, como autores de su banda sonora. Aunque esta película, hoy considerada de culto, fue un fracaso comercial, el dúo protagonizó una de sus grandes hazañas al alejarse de la música de baile y crear un disco de electrónica cercano a la ciencia ficción.
La despedida de Daft Punk
De ninguna manera esperábamos que este año Daft Punk anunciaría su retirada de los escenarios. Afortunadamente, como ocurre en estos casos, nos queda su música, y con suerte, la esperanza de que algún día vuelvan a reunirse. De esta forma se despidieron de sus fans el pasado 22 de febrero de 2021:
Que estamos en la era dorada de las series es algo que ya nadie pone en duda. El auge de las plataformas de streaming que ya venía in crescendo en los últimos años se ha disparado con la pandemia de coronavirus, y las producciones audiovisuales cada vez apuestan más huevos a la cesta de las series y miniseries. El séptimo arte galo no es ninguna excepción: te listamos cinco miniseries francesas para ver en 2021.
Miniseries francesas para hacer una maratón
Una miniserie se diferencia etimológicamente de una serie en su prefijo: se trata de producciones audiovisuales autoconclusivas de corta duración (normalmente, no más de doce episodios, divididos habitualmente en una o dos temporadas).
Se trata de un formato en alza, ya que nos ofrece los rasgos más agradecidos de varios géneros: la conclusión satisfactoria de las películas, que empiezan y acaban, y la dicotomía inmediatez/infinitud de las series, que consiste, básicamente, en sentir que estas duran poco porque están divididas en unidades de, como mucho, una hora, cuando a la vez nos dan la posibilidad de hacernos una maratón de seis horas delante de la tele en un sábado desocupado.
Te recomendamos cuatro miniseries francesas: una por cada mes del año que nos queda por delante. Antes de empezar nuestra lista, hacemos varios avisos.
El primero, es que nuestra lista no tiene ningún orden particular: puedes empezar a ver la miniserie que más te llame la atención.
El segundo, es que no todas las producciones que vamos a listar son aptas para todos los públicos. Vamos a indicar bajo cada una de ellas la edad para la que están indicadas. Para sugerencias de cine y series que ver con toda la familia, tenemos este artículo sobre pelis francesas para ver con niños y adolescentes, y este otro de series para aprender francés.
Por último, (y esto realmente no es un aviso), puedes seguir leyendo con tranquilidad: declaramos este artículo libre de spoilers.
El colapso (L’Effondrement ), 2019
¿De qué va?
Considerada ya miniserie de culto, L’Effondrement es una pieza subjetiva dividida en capítulos independientes que siguen a diferentes miembros de la sociedad francesa que intentan navegar y sobrevivir el colapso de la sociedad.
Los capítulos están grabados en plano secuencia, y títulos como «El supermercado», «El aeródromo», «La residencia» o «La central nuclear» nos dan una idea general de por dónde van los tiros.
¿Cuánto dura?
«El colapso» consta de una sola temporada dividida en ocho episodios de entre quince y veinticinco minutos cada uno.
¿Quién la hace?
Está producida por el colectivo Les parasites y Canal+, donde se emitió originalmente.
Los créditos de dirección son para Jérémy Bernard, Guillaume Desjardins y Bastian Ughetto. Integrantes de Les parasites, los tres co-firman cada episodio.
Entre el reparto principal, están Bellamine Abdelmalek, Roxane Bret, Philippe Rebbot, Thibault de Montalembert, Audrey Fleurot, Samuel Giurana, Samir Guesmi, Bastien Ughetto, Lubna Azabal y Yannick Choirat.
Protagonizada por el icónico Éric Cantona, trata sobre un hombre de mediana edad, en paro desde hace años, que se enfrenta al proceso de selección de una empresa que pide a los candidatos que participen en un juego de rol de secuestro de rehenes.
Alain, el personaje de Cantona, descubre nuevos niveles de dignidad, humillación e indignación mientras avanza el proceso.
¿Cuánto dura?
«Recursos inhumanos» consta de seis capítulos, aglutinados en una sola temporada. Cada episodio dura aproximadamente 50 minutos, por lo que estamos hablando de algo menos de seis horas de tele.
¿Quién la hace?
Está producida por Arte France y Mandarin Télévision. La dirección es del argelino-congoleño Ziad Doueiri, y el guion corre a cargo de Pierre Lemaitre y Perrine Margaine.
El reparto, como hemos dicho, está capitaneado por Éric Cantona, seguido de Suzanne Clément, Alex Lutz, Gustave Kervern
Con una estructura policíaca de thriller clásico, esta miniserie sigue la desaparición de una alumna del instituto en un bosque cercano, donde veinte años antes fue encontrada en estado de amnesia su profesora, Eve.
Océane y Maya, las dos amigas de la desaparecida, saben más de lo que dicen.
¿Cuánto dura?
«El bosque» es una temporada de seis episodios, con una media de 52 minutos por episodio. Algo más de seis horas frente a la tele.
¿Quién la hace?
Creada por Delinda Jacobs y dirigida por Julius Berg, la serie está producida por Karma Films y fue originalmente emitida en el canal francés France 3.
El reparto está liderado por Suzanne Clément, Alexia Barlier, Martha Canga Antonio e Inès Bally.
Dos cineastas se meten en un barrio problemático de Marsella para grabar el video de un rapero en ciernes y enseguida se ven envueltos en graves problemas.
¿Cuánto dura?
Es la más mini de todas las miniseries francesas de nuestra lista: diez episodios de diez minutos. Menos de dos horas frente a la tele.
¿Quién la hace?
Dirigida por Ange Basterga y Nicolas Lopez, está producida por Frenchkiss Pictures y protagonizada por Abdraman Diakité, Mohamed Boudouh, Sébastien Houbani, Idir Azougli, Julien Meurice, Abdillah Assoumani, Jean-Toussaint Bernard y Romain Vissol.
La 74 edición del Festival de Cannes trae consigo todo lo que nos perdimos el año pasado. El certamen de cine comercial más prestigioso del mundo ha citado a los artistas a sus puertas para el próximo 6 de julio. Tal y como avanzan las vacunaciones (especialmente entre colectivos privilegiados), no creemos que nadie se salte la invitación. Sabéis que, si algo nos gusta en la Alianza Francesa, es el cine. Por eso queremos amenizar la espera de tan anticipado evento repasando la lista de actrices francesas que se han ido a casa con un premio a la Mejor Actriz en lo que llevamos de siglo.
Las actrices francesas de Cannes: de Huppert a Bercot
El siglo XXI inauguraba el Olimpo de actrices coronadas en Cannes con dos papeles escritos por los dos directores europeos más inquietantes. En el año 2000, Lars von Trier estremecía a medio mundo con Bailando en la oscuridad, película que presentó a Björk como actriz revelación.
La artista islandesa se hizo con la Palma de Oro a la Mejor Actriz por su interpretación en el oscurísimo musical.
Al año siguiente, (fruto de una relación artística bastante más amable), Isabelle Huppert encarnaba a la profesora de piano más memorable del cine europeo, en la laureada cinta de Michael Haneke. Se inauguró así la serie de actrices francesas premiadas en el Festival de Cannes con el Premio a la Mejor Actriz.
Isabelle Huppert, el único doblete galo
La pianista, considerada una de las obras cumbres del austríaco Haneke, cuenta la retorcida relación entre Erika Kohut, una profesora de piano del conservatorio de Viena que vive una doble vida de inestabilidad emocional y depravaciones sexuales, y su alumno Walter, un aspirante a músico que siente tanta admiración y deseo como repulsión por ella.
Isabelle Huppert es la única actriz francesa en haber conseguido dos premios de interpretación en el Festival de Cannes
Cuando recibió su reconocimiento por La pianista, Isabelle Huppert se convirtió en la única actriz francesa en la historia de los premios del Festival de Cannes en hacerse con la Palma de Oro a la Mejor Actriz en dos ocasiones. Ya había sido premiada anteriormente por la cinta Violette Nozière, en 1978.
Isabelle Huppert es una de las artistas más queridas de su generación. Además de su inmenso talento, su trato cordial con la prensa y el perfil bajo que ha mantenido en su vida privada le han congraciado el favor del público. Su carrera como actriz es una de las más internacionales de su generación, y la diversidad de los roles que ha interpretado ha suscitado la comparación honrosa de la Meryl Streep europea.
Charlotte Gainsbourg
Ocho años más tarde, en el 2009, Charlotte Gainsbourg se llevaba la Palma a casa por la película Anticristo, otra vez, de Lars von Trier. En esta película, Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe interpretan a una pareja que intenta sobrevivir a la muerte de su hijo pequeño mientras su realidad se vuelve cada vez más estremecedora e inquietante.
Charlotte Gainsbourg es hija del compositor Serge Gainsbourg y la actriz Jane Birkin, aunque se ha ganado su sitio en el palmarés de Cannes por méritos propios. Ha aparecido en varias decenas de películas, y ha publicado cinco discos como cantante solista.
Juliette Binoche
Uno de los rostros más queridos del cine francés, dentro y fuera de las fronteras de la República. Juliette Binoche es, junto a Isabelle Huppert y Marion Cotillard, uno de los rostros más internacionales del séptimo arte galo. Un año después de la victoria de Charlotte Gainsbourg, Juliette Binoche recibía su primera Palma de Oro por su interpretación sin nombre en Copia certificada.
Esta producción franco-italo-iraní fue dirigida por el autor iraní Abbas Kiarostami. En ella, Binoche interpreta a una coleccionista de arte que pasa un día con un escritor, interpretado por William Shimell, en el que se reflexiona sobre el arte y la vida mientras la línea entre ficción y realidad se difumina paulatinamente.
Juliette Binoche es uno de los rostros más queridos del cine francés, dentro y fuera de las fronteras de la República
Desde que comenzara su carrera, Juliette Binoche ha recibido premios y nominaciones de todos los certámenes y festivales importantes de Europa y Latinoamérica, incluyendo los Premios Oscar (dos nominaciones), Premios Goya, César, British Independent Film Awards, Premios del Sindicato de Actores…
Bérénice Bejo
Conocida internacionalmente por su papel de Peppy Miller en el exitazo The artist, de Michel Hazanavicius, esta actriz franco-argentina se convirtió en sucesora de Juliette Binoche en el palmarés de Cannes. En 2013, Bérénice Bejo protagonizó El pasado, una película francesa dirigida por el iraní Asghar Farhadi. Bejo interpreta a Marie, una mujer conflictuada por sus relaciones a punto de casarse por cuarta vez.
La película recibió críticas muy positivas por parte de la prensa, y cosechó premios y reconocimientos en toda la temporada de festivales. Desde entonces, Bérénice Bejo ha participado en catorce películas. Así suma más de sesenta proyectos en su currículum.
Actualmente, tiene cuatro proyectos en posproducción.
Emmanuelle Bercot
La actriz Emmanuelle Bercot se hizo con el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes e el año 2015. Consiguió la Palma de Oro gracias a la película Mi amor, firmada por la artista Maïwenn.
Emmanuelle Bercot es un nombre muy conocido dentro de las fronteras francesas. La actriz ha estado nominada en cinco ocasiones a los premios César, tanto en calidad de actriz como en calidad de directora.
En la película Mi amor, Bercot interpreta a Tony, una paciente que se recupera de una lesión en una clínica junto al mar. Desde allí rememora su matrimonio con Giorgio, interpretado por Vicent Cassel, intentando encontrar el momento en el que todo se estropeó.
Con el reconocimiento que la intérprete recibió en el festival, se convirtió en la última intérprete francesa en llevarse la Palma de Oro a casa.
2021, ¿por fin el año de Marion Cotillard?
Si hay un nombre que resulta familiar en casi todas partes es el de Marion Cotillard. La actriz más internacional de Francia, de lejos. Ganadora de un premio Oscar a la Mejor Actriz por la película La Môme, Marion Cotillard es una de las grandes ausencias en el Olimpo de las actrices francesas ganadoras de una Palma de Oro.
Fuera de las fronteras francesas, conocimos a Cotillard por primera vez en la pantalla internacional interpretando a Geneviève, la dulce mujer de Billy Crudup en la fábula Burtoniana Big fish. Desde entonces, Cotillard ha trabajado con -casi- todos los directores y directoras más influyentes de nuestro tiempo.
¿Seguirá Marion Cotillard (por fin) la línea de actrices francesas premiadas en Cannes?
Este año, sin embargo, el Festival se inaugura con Anette, una película de Leos Carax protagonizada por Cotillard y Adam Driver. Según adelanta la prensa, la trama de Anette versa sobre la relación entre Herny (Adam Driver) y Ann (Marion Cotillard), una exitosa pareja de reconocidos artistas que ve su existencia dada vuelta con el nacimiento de su primogénita, Anette.
¿Será este el año en el que los ojos más famosos de Francia se lleven la Palma de Oro a casa? Tendremos que esperar hasta el 17 de julio para saberlo.
¿Dónde puedo ver estas pelis online?
La plataforma Filmin tiene estas películas en su catálogo online: te dejamos una lista para que solo tengas que hacer clic sobre cada título:
Nos adentramos en abril. El buen tiempo se hace más intenso, y también los regímenes de estudio. Los exámenes de verano están a la vuelta de la esquina, DELF Junior incluido. Sin embargo, concentrarse en la lectura cuando el mundo fuera está en estado de ebullición puede ser una tarea engorrosa. Si eres estudiante de Secundaria (o si tienes alguno en casa) y estás estudiando francés, te recomendamos películas francesas para adolescentes que harán el estudio un poco más agradable y la práctica más amena.
Si no eres estudiante pero, sencillamente, estás buscando buenas películas para ver en familia, esta lista te sirve lo mismo.
Películas francesas para adolescentes, de menor a mayor edad
Que el mundo del cine es una parte fundamental en el ADN cultural de la Alianza Francesa no es ningún secreto. Por eso nos hace especial ilusión recomendar a nuestros jóvenes estudiantes películas francesas, perfectas para ver en familia, con amigos, o al final de una tarde de estudio.
La comprensión oral es una de las secciones que comprende el examen DELF Junior. Dependiendo del nivel al que nos presentemos, la complejidad será mayor o menor. Irse a aprender francés a un área francófona no siempre es posible, pero sea cual sea la competencia lingüística del estudiante, cuanta más exposición haya al idioma en su contexto naturalizado, mejor. Estudiar con profesores nativos y ver películas francesas en versión original y subtituladas en una excelente segunda opción.
Además, en la Alianza creemos que la cultura siempre es un refugio. Por eso, si eres madre, padre o profe de estudiantes de DELF Junior, cada una de las cintas que te vamos a recomendar (¡ya llegamos!) puede servir para, además de practicar la competencia de comprensión oral del francés, iniciar una conversación con los adolescentes sobre los temas que tratan las cintas. Eso por no hablar de que se trata, en su mayoría, de clásicos contemporáneos del cine francés, que han conseguido y cosechado éxitos de crítica y taquilla en salas para todos los públicos.
Ordenamos estas películas francesas para adolescentes de menor a mayor, según recomendación de edad. ¡Que las disfrutéis!
La Nouvelle Guerre des boutons
Dirigida por Christophe Barratier, estrenada en 2011 para todos los públicos. Con la ternura a la que Christophe Barratier nos tiene acostumbrados, esta historia se emplaza en la campiña francesa durante la ocupación nazi en la Segunda Guerra Mundial. Los adultos viven en un ambiente de tensión y miedo casi constante que los niños terminan traduciendo en una pelea paralela: la guerra de los botones.
Los niños de Velrans se enfrentan a los de Longeverne en una competición tan pilla como inocente: gana la tropa que consiga robar, recolectar y almacenar tantos botones como sea posible de las ropas del pueblo vecino. El maestro de la escuela, interpretado por Guillaume Canet, y la costurera del pueblo, interpretada por Laetitia Casta, observan el desarrollo de ambas guerras desde una discreta distancia.
Fotograma de «La guerre des boutons» la pelicula original de Yves Robert en 1962.
Esta cinta es un remake de otra película anterior de 1962, que a su vez se basa en la novela homónima de Louis Pergaud. Una película perfecta para ver con los adolescentes más jóvenes y abordar el tema del fascismo y la Resistencia desde una perspectiva diferente.
Bienvenues chez les Ch’tis
Dany Boon, uno de los grandes rostros de la comedia francesa, firma y protagoniza esta desternillante cinta estrenada en el año 2008. Como en casi todos los países del mundo, en Francia la idiosincrasia de diferentes regiones difiere.
En esta película, las particularidades de la región Nord-Pas-De-Calais se exageran hasta el esperpento para contar las peripecias de Philippe Abrams, un funcionario de correos interpretado por Kad Mérad que es castigado por sus superiores con un destino en la ciudad de Bergues cuando es descubierto fingiendo discapacidad para conseguir un puesto en la costa.
La práctica del char à voile es típica de la región de Nord-pas-de-Calais, donde se desarrolla Bienvenue chez les Ch’tis.
El escéptico de Philippe, que llega a Bergues con la resignación de quien acepta un castigo divino, es recibido por el entrañable Antoine, un repartidor local de correo, interpretado por Dany Boon, que recibe a Philippe con un dicho ch’timi: en el norte se lloran dos veces: cuando uno llega, y cuando uno se va.
Esta es una peli estupenda para ver con toda la familia y disfrutar de un humor adulto que en absoluto deja a los niños fuera. A través de Bienvenues chez les Ch’tis podemos hablar de prejuicios, diferencias culturales y el peligro de las ideas preconcebidas. Pero, sobre todo, es un ejemplo estupendo para entender las variedades dialectales.
Les choristes
El gran clásico de Christophe Barratier, y una de las películas francesas más queridas en lo que llevamos de siglo. En el año 2004, Gérard Jugnot emocionó a medio mundo como Monsieur Mathieu, un músico fracasado que a finales de los años cuarenta acepta un trabajo de vigilante en un internado para niños en riesgo de exclusión llamado Fondo del Estanque.
El chateâu Ravel sirvió de escenografía para crear el internado Fond de l’etang.
Allí se encuentra con un grupo de chavales casi tan deprimidos como él, que viven una existencia incierta y desazonada bajo el régimen casi dictatorial del autoritario director: las travesuras están a la orden del día y los chicos no tienen la intención de ponérselo nada fácil. Sin embargo, cuando Mathieu escucha a los niños cantando en su habitación antes de dormir, se da cuenta de que los chicos hablan un lenguaje que él conoce bien, y decide conectar con ellos a través de la música.
Una película para todas las edades con la que hablar sobre la ternura, la compasión y la empatía con los más pequeños, y sobre el abandono, la frustración, la autoridad y la justicia con los más mayores.
Intouchables
Esta película de 2011 se convirtió en un éxito de taquilla instantáneo, y no sólo dentro de Francia. François Cluzet interpreta a un millonario tetrapléjico y amargado que contrata a Driss, un descarado joven de barrio obrero interpretado por Omar Sy, como asistente personal. La relación entre los dos personajes, que son polos opuestos, es tan catastrófica como divertida.
Dentro de las películas francesas para adolescentes, esta es ideal para identificar diferentes registros de formalidad en el habla. También hay un amplio muestrario de expresiones coloquiales, muy útiles si lo que estamos buscando es conseguir un nivel de fluidez lo más cercano posible al habla popular de Francia.
Da pie a hablar de temas como la discapacidad, la inmigración y la tolerancia, además de las diferencias entre clases sociales, los privilegios y la pobreza. No está recomendada para menores de siete años, y nosotros la recomendamos especialmente para mayores de catorce.
La famille Bélier
Paula, de dieciséis años, es el único miembro de su familia con capacidad de audición: tanto sus padres como su hermano son sordos de nacimiento. Esta cinta de 2014 dirigida Éric Lartigau explora la transición hacia la edad adulta y la búsqueda de identidad propia fuera de la familia, y es que Paula, interpretada por Louane Emera, tiene un talento (y una pasión) que no puede compartir con su familia: es, según descubre su profesor de música, una excelente intérprete de canción lírica.
Recomendamos esta película para ver con aquellos adolescentes menos acostumbrados al lenguaje cinematográfico: es un entretenido título comercial con el que pasar un buen rato y da pie a tratar temas como la independencia, la diversidad de capacidades, y, de paso, la exposición a un plano de la comunicación que siempre ignoramos cuando pensamos en el idioma: la lengua de signos.
Se puede ver con toda la familia, pero es especialmente jugosa para los coetáneos de la protagonista: adolescentes de entre 14 y 15 años que puedan empatizar con las dificultades de empezar a buscar un discurso propio fuera de las narrativas familiares.
La Môme
Otro éxito internacional del cine francés. Esta cinta de Olivier Dahan, estrenada en el 2006, narra de forma poética la vida de la icónica Édith Piaf, desde su infancia hasta su muerte.
La vida de Édith Piaf, aunque fascinante, también fue trágica y llena de adversidad. Si bien la película provee una mirada poética sobre la biografía de la artista más famosa de Francia, también trata temas delicados como la prostitución, la adicción y la enfermedad.
Por eso no está recomendada para menores de doce años. Sin embargo, para adolescentes más mayores que estén estudiando para un nivel B2 o incluso C1, es una ventana a uno de los iconos más importantes de la cultura popular francófona en el siglo XX.
Edith Piaf hablando con Marlene Dietrich en 1959. Este encuentro se recrea en la película, entre Marion Cotillard como la primera y Caroline Sihol como la segunda.
Marion Cotillard, quien interpretó el papel protagonista, ganó en el 2007 el Oscar a la Mejor Actriz por su Édith Piaf. Se convirtió así en la segunda actriz de la historia de los premios en ganar esa estatuilla por una película no rodada en inglés: hasta entonces, solo lo había conseguido Sophia Loren en 1960 por la película Dos mujeres, que fue rodada en italiano.
Les petits mouchoirs
Tras una noche de fiesta por el centro de París, Ludo se sube en su moto, sufre un grave accidente y queda en coma en el hospital, debatiéndose entre la vida y la muerte. Su grupo de amigos de toda la vida se reúne en el hospital, y deciden que, a pesar de las circunstancias, van a seguir adelante con sus planes. Como cada año, el grupo se traslada a la casa de la costa para pasar las vacaciones, mientras esperan noticias y el accidente de Ludo pone en perspectiva las vidas de los demás.
A pesar de la premisa, Les petit mouchoirs trata sus temas con humor y ligereza, relativizando las desgracias y tratando a los espectadores con respeto y madurez. Es una sorprendente tragicomedia que explora con inteligencia la amistad, las contradicciones de la edad adulta y las dinámicas de grupo. Firmada por Guillaume Canet, la peli se estrenó en el año 2010 y su reparto estelar (Marion Cotillard, François Cluzet, Jean Dujardin, Anne Marivin, Benoît Magimel…) la convirtió en un éxito de taquilla casi instantáneo.
Es el film con los diálogos más relajados de todas nuestras recomendaciones. Esto, junto al reparto coral, convierten la película en una oportunidad estupenda para que estudiantes, a partir de los dieciséis años, sean testigos de el lenguaje oral en su versión más naturalista.
Nous finirons ensemble
Se trata de la secuela de Les petits mouchoirs. Se estrenó en el año 2019. En esta ocasión, el grupo de reúne tras tres años sin verse para celebrar el sesenta cumpleaños de Max, el cabecilla de la banda, interpretado por François Cluzet.
Les Misérables
En 2019, Ladj Ly, director franco-malí, reinterpretó la obra clásica de Víctor HugoLes Misérables en una fábula contemporánea que encuentra las injusticias del sistema en sitios muy parecidos a los de la obra original.
Damien Bónard interpreta a Stephane, un policía que se incorpora a un nuevo precinto y encuentra que la convivencia entre su nueva patrulla y los barrios obreros es de todo menos ideal. Cuando el dueño de un circo ambulante denuncia la desaparición de una cría de león, la investigación apunta a la patrulla hacia Issa, un problemático adolescente de barrio humilde.
Víctor Hugo es el autor original de la obra Los Miserábles que inspira la cinta de 2019.
Es la única película de las recomendadas que tiene escenas explícitas de violencia, por lo que solo la recomendamos para los más mayores que estén preparados para hacer un análisis más adulto de la obra.
Aprovechamos la cuadragésima edición de los Premios César para rescatar la figura de Alice Guy: la mujer que ideó, dio forma y desarrolló la narrativa de ficción en el cine.
Recuerdo de Alice Guy Blaché
Que el cine es un producto cultural que se compra y se vende es algo que todos tenemos claro. En el inconsciente colectivo, la cinematografía está arraigada como una de las disciplinas artísticas más costosas. Probablemente lo sea. Sacar adelante una producción y llevarla hasta una sala de cine es una empresa titánica que termina en disgusto mucho más a menudo de lo que pensamos quienes no nos dedicamos a ello.
La cantidad de personal, esfuerzo, dedicación y entrega que requiere levantar una película es inimaginable, a menos que se trabaje en una. Por eso, cualquier dificultad añadida a una actividad ya de por sí dificultosa parece siempre la gota que colma el vaso. Aunque, después, el vaso sea más hondo de lo que pensamos.
Este fue el espíritu que se respiró en la última gran noche del cine francés. Evidentemente, la pandemia de coronavirus ha estado una vez en el centro de donde nadie querría que estuviera. Y es que los premios César 2021 han tenido como protagonista el fantasma de todas las películas que no se han hecho en el año 2020.
Los premios César 2021 piden un poco de norte
En los premios César, homólogos a los premios Goya en España, se premian las mejores películas de temporada anterior. Uno de los requisitos para optar a cualquiera de los galardones es que la película en cuestión haya sido estrenada en cines francesas durante el periodo previo. Esta es una de las dificultades añadidas que mencionábamos antes, ya que, de los doce meses de 2020, las salas de cine francesas han estado cerradas ocho.
El malestar por las estrictas restricciones impuestas sobre el sector cultural y las discrepancias con Roselyne Bachelot, Ministra de Cultura, se hicieron con el protagonismo de la gala. El cine francés pide un poco de norte para navegar la tormenta de la pandemia sin naufragar en el intento.
Al igual que todos los demás sectores sociales, las artes también están sufriendo las consecuencias de lo que ya es el segundo año de pandemia. Más allá de medidas políticas y sanitarias, lo único que podemos hacer los consumidores de cultura y amantes del cine, es esperar.
Mientras esperamos a que la industria recupere su ritmo para seguir disfrutando de uno de los mejores cines del mundo, aprovechamos para traer a la luz a la madre del cine. La primera persona que vio un cinematógrafo y pensó en filmar algo salido de su imaginación en lugar de simplemente documentar la realidad fue una mujer francesa.
Alice Guy en el país del cine
Resulta que Francia es el país más cinéfilo de Europa. Hasta el año 2019, tenían el mayor número de salas de cine, de espectadores y de estrenos anuales: hasta 700 cintas estrenadas cada temporada. Podemos, por el bien de la narración, pensar que no es casualidad que la primera persona en dirigir una película de ficción nació en Saint-Mandé, a las afueras de París, en 1873.
Decir que Alice Guy fue una pionera resulta reduccionista. El diccionario define el adjetivo pionera como persona que da los primeros pasos en alguna actividad humana. Alice Guy no dio los primeros pasos en la ficción cinematográfica: se inventó el cine. No exploró ni descubrió un territorio desconocido: lo dibujó ella misma, sin brújula ni mapa ni rastro de migas que seguir para volver en caso de pérdida.
Descubrir una cámara de cine como objeto de creación es algo que interpretamos como la propia naturaleza del artefacto. Lente y creación parecen dos conceptos indivisibles que se definen el uno al otro. Y, sin embargo, en la concepción del aparato tan solo se escondía la intención de documentar el movimiento, en el marco de una época positivista que si bien veía su fin todavía encontraba nicho y refugio en los avances tecnológicos de finales del siglo XIX.
Para saber si el uso de una cámara como realizadora de sueños fue serendipia o intención, habría que leer las memorias de Alice. La edición original reposa en la Biblioteca Pública de Boston, la versión en papel es difícil de conseguir, y la traducción al castellano más todavía.
Alice fue la única de los hermanos Guy en nacer en Francia. Su padre tenía una editorial en Chile, y su madre era una pequeño-burguesía parisina. Se casaron en 1865. La familia vivía en Valparaíso cuando una epidemia de viruela los convenció rápido para mudarse a París, donde nació Alice en 1873.
Probablemente fue hija ilegítima, o al menos eso pensaba su padre, que se volvió a Chile unos días después de su nacimiento. Su madre lo siguió unos meses más tarde, y Alice fue enviada a vivir con la abuela materna a Suiza.
Las circunstancias o indecisiones paternales llevaron a la joven Alice en barcos de ida y vuelta de Sudamérica a Europa durante varios años, hasta que en 1879 fue internada en el colegio de monjas donde estudiaban sus hermanas mayores, a los pies de los Alpes franceses.
Cuando tenía dieciocho años, en 1891, estudió mecanografía para apoyar a su recién enviudada madre, y encontró trabajo enseguida como secretaria de un tal Léon Gaumont, que trabajaba entonces en la Comptoir général de la photographie.
Para cuando Gaumont se hizo con la empresa, Alice ya había demostrado que el puesto de secretaria le venía tan pequeño como un dedal de sombrero. Había cultivado relaciones con los Lumière, Georges Demenÿ, Gustave Eiffel, y, en definitiva, con cualquiera que estuviera inventando cosas en la Belle Époque.
En 1895, pidió permiso a Gaumont para grabar su primera película. Este, por suerte, se lo concedió. Guy filmó La fée aux choux, y desde entonces se convirtió en la directora de producción de Gaumont. Compaginaba su labor de productora con la dirección de ficción. En sus primeras cintas, se dedicó a explorar las posibilidades estéticas que el movimiento y la imagen ponían al servicio de la narrativa.
En 1906 hizo su primera película de gran presupuesto, empezó a usar el cronófono, y se inventó algunos de los efectos especiales que se usaron durante décadas posteriores.
Blaché, Simone, y The Solax Company
En 1907, cuando ya llevaba más de diez años trabajando para Gaumont, Alice se casó con Herbert Blaché. El joven matrimonio se trasladó a Estados Unidos, donde ambos trabajaban para la sede norteamericana de la compañía.
Tres años más tarde, la pareja Guy-Blaché decidió armar su propia fiesta y abandonaron la madre nodriza para fundar su propio estudio. The Solax Company se convirtió en el estudio más grande de la América pre-Hollywood.
Con la sede de su compañía en Nueva York, Blaché era el jefe de producción del estudio, mientras que Alice era la directora artística y creativa. La pareja tuvo dos hijos, Simone y Reginald, y Alice los criaba mientras seguía dirigiendo entre dos y tres películas a la semana.
En 1913, hizo a su marido presidente de The Solax Company, con la intención de concentrarse en la escritura y la dirección. A finales de la década, sin embargo, Blaché dejó a su familia en Nueva York para irse a perseguir una carrera en Hollywood.
Sola y con dos niños pequeños, Alice casi pierde la vida por la gripe española en 1919. Ese mismo año, la nave donde The Solax Company almacenaba todo su material se incendió, y en 1921 tuvo que subastar todo lo que tenía para poder salir de la bancarrota.
La deuda que tenemos con el hada de los repollos
La primera película de ficción de la Historia de la Humanidad se llama «La fée aux choux» (o «El hada de los repollos»), y se filmó en 1896. Representa una leyenda popular francesa, según la cual los niños nacen de los repollos, y las niñas de las rosas.
Fotograma de «La fée aux choux», la primera película de ficción de la Historia.
Fue la primera vez que se empleó a una actriz para ser filmada con un guion previo. El trabajo de producción artística no tiene nada que envidiarle al audiovisual del siglo XXI. Alice Guy inauguró la figura que hoy conocemos como Dirección de Producción. Experimentó con la ciencia ficción. Dirigió más de 1.000 cintas. Estrenó el primer film con un casting íntegro de actores afroamericanos.
El 14 de marzo de 1920 se estrenó Tarnished Reputations, la última película de Alice Guy. Tras perder su estudio, volvió con sus hijos a Francia en 1922. Nunca volvió a trabajar en cine.
En 1930, Gaumont publicó una historia de la compañía donde no la mencionaba. Alice le pidió que enmendara el error, cosa a la que Gaumont accedió. Tardó dieciséis años en publicar la versión corregida. Su hijo, Louis, trató de enmendar las omisiones del padre, organizando en 1954 un discurso titulado: Madame Alice Guy Blaché, la primera mujer cineasta.
Como suele ocurrir con las narrativas que dejan un poso lejano de justicia poética, la historia de Alice terminó siendo fijada para la posteridad por su hija Simone. Esta la ayudó a escribir sus memorias y tradujo el manuscrito al inglés. Además, cuidó de ella hasta su muerte, en 1968, a la edad de 95 años.
Alice Guy llegó a ser una artista reconocida durante sus años en activo. Pero en cuanto apagó la cámara, los Méliès, Griffiths y Lumières del mundo extendieron sus imágenes de genios pioneros sobre la figura de Alice, que se pasó los últimos treinta años de su vida intentando infructuosamente recuperar las primeras cintas de su carrera, perdidas por los archivos de Europa y Norteamérica.
La constancia que nos queda de su obra se encuentra en su mayoría en crónicas de la prensa. Imaginamos que para la paz de su credibilidad, los periódicos y revistas de la época dejaron un registro escrito de las proezas de esta genia, que no fue la primera mujer cineasta, sino la primera cineasta, a secas.
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